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Le Bauhaus est une des émergences culturelles les plus importantes et conséquentes du siècle. Walter Gropius fonda cet institut de design en 1919, à Weimar. L’école fut effective à Weimar, Dessau et Berlin. Les enseignements du Bauhaus en design sont aujourd’hui encore respectée dans les écoles de design et d’architecture. Les produits du Bauhaus sont devenus des standards du design et les immeubles du Bauhaus sont entrés dans l’histoire et au patrimoine culturel mondial de l’UNESCO. Ce livre, richement illustré et documenté, offre une vue globale de l’histoire du Bauhaus et projette un nouvel éclairage sur son évolution et sa connexion aux autres mouvements, rendant le Bauhaus plus compréhensible au lecteur.

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Depuis le début des années 1970, les graffeurs décorent l’extérieur des rames de métro avec des tags toujours plus grands et toujours plus élaborés. Dans le schéma primitiviste, les graffeurs, en tant qu’artistes en marge, offraient de nouvelles perspectives à la société américaine. Ils tendaient un miroir à la culture hégémonique. Les références aux médias ou à des elements culturels que les artistes intégraient dans leurs créations revêtent aujourd’hui une importance toute particulière, parce qu’elles représentent un point de contact entre les cultures et ont rendu cette « sousculture » plus accessible à son nouveau public. Cette forme d’expression résolument rebelle est ici analysée par Margo Thompson qui met en relation l’art du graffiti avec l’art contemporain. Tout comme les graffeurs apportaient une voix à une classe ethnique sous-représentée, l’auteur, grâce à une thèse originale, tend à servir d’ambassadrice à cette forme d’art souvent méconnue.

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Les Arts de l'Afrique noire vous invite à explorer les origines dynamiques de l'étendue des expressions artistiques de l'exotique et intrigant continent africain. Depuis la découverte de Les Arts de l'Afrique noire à la fin du XIXe siècle lors des expositions coloniales, le continent noir s'est révélé une immense source d'inspiration pour les artistes qui, au fil du temps, ont constamment réinventé ces oeuvres d'art. La force de l'art africain subsaharien réside dans sa diversité visuelle, preuve de la créativité des artistes qui continuent à conceptualiser de nouvelles formes stylistiques. De la Mauritanie à l'Afrique du Sud et de la Côte d'Ivoire à la Somalie, des statues, des masques, des bijoux, des poteries et des tapisseries constituent une variété d'objets rituels quotidiens émanant de ces sociétés d'une riche diversité.

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Vous vous êtes déjà demandé pourquoi votre plafond ressemble aux voûtes d'une cathédrale gothique ? Ou bien pourquoi le bâtiment où vous travaillez est si différent des autres ? L' ABC des Styles vous invite à explorer les différents styles de l'architecture et de la décoration intérieures, depuis l'Antiquité jusqu'aux années quarante. Des châteaux et palaces de l'aristocratie française aux églises monastiques dominicaines du Moyen Âge, partez en voyage à travers l'Histoire ! Souvent, les bouleversements politiques impliquent des transformations dans les styles artistiques. En Europe, plusieurs styles ont tiré leur nom d'un souverain ou d'une période historique («style Louis XIV», «style Régence»). Jusqu'à la fin du xixe siècle, c'est généralement la royauté qui dictait la mode en matière de styles, ce qui constituait alors un signe de pouvoir.

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An emblematic figure of the early 20th century, Paul Klee participated in the expansive Avant-Garde movements in Germany and Switzerland. From the vibrant Blaue Reiter movement to Surrealism at the end of the 1930s and throughout his teaching years at the Bauhaus, he attempted to capture the organic and harmonic nature of painting by alluding to other artistic mediums such as poetry, literature, and, above all, music. While he collaborated with artists like August Macke and Alexej von Jawlensky, his most famous partnership was with the abstract expressionist, Wassily Kandinsky.

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The strict prohibition on the representation of the human form has channeled artistic creation into architecture and architectural decoration. This book is a magical tour through Central Asia – Khirgizia, Tadjikistan, Turkmenia, and Uzbekistan – a cradle of Ancient civilisations and a repository of the Oriental arts inspired by Buddhism and Islam. There are magnificent, full-colour photographs of the abandoned cities of Mervand Urgench, Khiva, the capital of the Kharezm, with its mausoleum of Sheikh Seid Allahuddin, and, the Golden Road to Samarkand, the Blue City, a center of civilisation for 2,500 years.

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Housed in the Hermitage Museum along with other institutes, libraries, and museums in Russia and the republics of the former Soviet Union are some of the most magnificent treasures of Persian Art. For the most part, many of these works have been lost, but have been catalogued and published here for the first time with an unsurpassed selection of colour plates. In a comprehensive introduction, Vladimir Lukonin, Director of the Oriental Art section of the Hermitage Museum, and his colleague Anatoli Ivanov have broadly documented the major developments of Persian Art: from the first signs of civilisation on the plains of Iran around the 10th century BCE through the early 20th century. In the second part of the book they have catalogued Persian Art giving locations, origins, descriptions, and artist biographies where available. Persian Art demonstrates a common theme which runs through the art of the region over the past three millennia. Despite many religious and political upheavals, Persian Art whether in its architecture, sculpture, frescoes, miniatures, porcelain, fabrics, or rugs; whether in the work of the humble craftsmen or the high art of court painters displays the delicate touch and subtle refinement which has had a profound influence on art throughout the world.

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This book explains and celebrates the richness of English churches and cathedrals, which have a major place in medieval architecture. The English Gothic style developed somewhat later than in France, but rapidly developed its own architectural and ornamental codes. The author, John Shannon Hendrix, classifies English Gothic architecture in four principal stages: the early English Gothic, the decorated, the curvilinear, and the perpendicular Gothic. Several photographs of these architectural testimonies allow us to understand the whole originality of Britain during the Gothic era: in Canterbury, Wells, Lincoln, York, and Salisbury. The English Gothic architecture is a poetic one, speaking both to the senses and spirit.

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William Hogarth wrote his Analysis of Beauty in 1753, during the Age of Enlightenment. Through this captivating text, he tends to define the notion of beauty in painting and states that it is linked, per se, to the use of the serpentine lines in pictorial compositions. He calls it the line of beauty . His essay is thus dedicated to the study of the composition of paintings, depending on the correct use of the pictorial lines, light, colour, and the figure's attitudes. These timeless concepts have been applied by several artists through the centuries. Paintings from every period have here been chosen to support this demonstration. They allow us to explore the various manners in which beauty can be expressed in painting.

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The English school of painting was officially recognised at the beginning of the 18th century through the work of William Hogarth. It includes works by the most famous English artists, such as Thomas Gainsborough, Joseph Mallord William Turner, John Constable, Edward Burne-Jones, and Dante Gabriel Rossetti. This subject is introduced with a very unique text, published in 1882: a French study of English pictorial art. The author, Ernest Chesneau, was highly-cultured, an art historian and inspector of Fine Arts. He explains the beginnings of this school which excels in portraiture and landscapes, and reminds us of the English brilliance regarding watercolours, not forgetting to include the work of the Pre-Raphaelites.

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