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Se presenta aquí la traducción realizada por José Juan Gómez-Becerra de la segunda edición (2021) de este texto fundacional de la historia chicana imprescindible para entender la particular relación del mexicano con Estados Unidos, que se publicó por primera vez en inglés en 1972 y que cuenta la experiencia colectiva del pueblo chicano en aquel país. El texto recoge datos indispensables sobre el crecimiento acelerado de esta población, los mecanismos de dominio institucional y social estadounidenses a los que se ha enfrentado y los medios con los que ha luchado a lo largo de su historia transfronteriza. El análisis histórico se remonta a la ocupación estadounidense de los territorios del norte de México y relata la lucha del mexicano por mantenerse, existir y prosperar en el sudoeste de Estados Unidos. Después analiza la realidad particular de cada estado y describe los diferentes episodios de resistencia y algunos de los hitos precursores del Movimiento Chicano, haciendo hincapié en el significado de algunos personajes y su contribución a la reivindicación colectiva de la autodeterminación del pueblo chicano en la América ocupada. Finalmente, se presentan cifras, estadísticas y hechos recientes a raíz del aumento de la inmigración debido a las políticas neoliberales puestas en práctica tanto en México como en Estados Unidos. El estilo deductivo de Acuña permite que el lector saque sus propias conclusiones sobre la evolución del chicano en una sociedad estadounidense cambiante, pero a la vez resistente a los cambios. En cada uno de los capítulos se puede apreciar la urgencia de mantener fresca la memoria colectiva, en especial la de aquellas comunidades que experimentan la condición de colonia interna, para quienes la historia y el amor propio pueden representar el medio principal de resistencia.

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'Un Pas de Deux, Un Pas de Dieu' is a play depicting a meeting of Thomas Merton, twentieth-century Catholic monk and author, and Anne Bradstreet, one of the first published Puritan poets in New England. The play is set at Gethsemani, the Abbey in Kentucky, where Merton lived for half his life. The time is six months after his death, the day of the publication of his novel, 'My Argument with the Gestapo'. Merton's abiding interest in the publication of this work, a profound statement against war, is a continuing theme throughout the play. Anne Bradstreet recites a portion of her poem «Contemplations» intruding on Merton's solitude, much to his dismay. She is lost and seeking her home and is frightened by this «popish» monastery she has encountered. Thus the dialogue begins and progresses from concern with outer appearances (Merton had no use for Puritans and Bradstreet had a fear of Catholics), which are so different, to their inner lives, which are very similar. There is a realization that they are possibly in Purgatory and an exchange of thoughts on Salvation and God, church, the role of women, of family, of war and, of course, of writing. The play ends with a scene in which the two share bread, wine, and Trappist cheese. The poetry of each writer is used at times in the play. Bradstreet and Merton were witty, erudite individuals and the dialogue throughout shows their humor.

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The texts included in this anthology illustrate the wide range of possibilities that abolitionist writings offered to American children during the first half of the nineteenth century. Composing their works under the wings of the antislavery movement, authors responded to the unequal and controversial development of abolitionist politics during the decades that led up to the outbreak of the Civil War. These writers struggled to teach children «to feel right,» and attempted to instruct them to actively respond to the injustice of the slavery system as rendered visible by a harrowing visual archive of suffering bodies compiled by both English and American antislavery promoters. Reading was equated with knowledge and knowledge was equated with moral responsibility, and therefore reading about «the abominations of slavery» became an act of emotional personal transformation. Children were thus turned into powerful agents of political change and potential activists to spread the abolitionist message. Invited to comply with a higher law that entailed the breaking of their nation's edicts, they were morally rewarded by the Christian God and approvingly applauded by their elders for their violation of these same American regulations. These texts enclosed immeasurable value for young nineteenth-century Americans to fulfill a more democratic and egalitarian role in their future. Undoubtedly, abolitionist writings for children took away American children's innocence and transformed them into juvenile abolitionists and empowered compassionate citizens.

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This first critical biography of radio broadcaster, stage director, and auteur filmmaker Michael Cacoyannis examines his prolific body of work within the socio-political context of his times. Best known as a bold modernist for triple-Oscar-winner 'Zorba the Greek', Michael likewise was hailed as an astute classicist for his inventive interpretations of Euripides. Working across several continents and languages, he forwarded feminist, humanist, and pacifist agendas, as he further innovated crafty LGBT narratives of unprecedented artistry and complexity. Despite intense persecution during the Cold War red scare and lavender scare, his casts and crews of frugal cosmopolitans critiqued racism, militarism, sexism, homophobia, and transphobia. Avoiding censorship, job loss, and jail, Michael thereby laid foundations for the 1990s new queer cinema and set the stage for empowering dramas of socio-economic justice in the third millennium. Over his long life and productive career, Michael exposed and espoused the vital truths up his sleeve.

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Quaker characters have peopled many an American literary work—most notably, «Uncle Tom's Cabin»—as Quakerism has been historically associated with progressive attitudes and the advancement of social justice. With the rise in recent years of the Christian romance market, dominated by American Evangelical companies, there has been a renewed interest in fictional Quakers. In the historical Quaker romances analyzed in this book, Quaker heroines often devote time to spiritual considerations, advocate the sanctity of marriage and promote traditional family values. However, their concern with social justice also leads them to engage in subversive behavior and to question the status quo, as illustrated by heroines who are active on the Underground Railroad or are seen organizing the Seneca Falls convention. Though relatively liberal in terms of gender, Quaker romances are considerably less progressive when it comes to race relations.Thus, they reflect America's conflicted relationship with its history of race and gender abuse, and the country's tendency to both resist and advocate social change. Ultimately, Quaker romances reinforce the myth of America as a White and Christian nation, here embodied by the Quaker heroine, the all-powerful savior who rescues Native Americans, African Americans and Jews while conquering the hero's heart.

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Benjamin Drew's «North-Side View of Slavery: The Refugee, or the Narratives of Fugitive Slaves in Canada» (1856) is a collection of his interviews with former slaves living in Canada who had escaped from the United States, and an invaluable example of the transnational abolitionist movement's political agenda. These edited oral accounts show how these runaways turned into African Canadians and reconfigured new meanings of Blackness in Canada, set out the foundations of a Black Canadian sense of attachment, and eventually helped to reshape North America by contributing to the birth of the Canadian nation-state.

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Este volumen incluye una selección de artículos aparecidos durante varios años en la revista ?Huellas de Estados Unidos. Estudios, perspectivas y debates desde América Latina.? Su propuesta supone un acercamiento a los estudios sobre los Estados Unidos que implica la idea de desarmar la construcción ideológica que el excepcionalismo ha fundado y que la historio-grafía ortodoxa tradicional se ha encargado de difundir. Estos estudiosos apuestan por el cuestionamiento de la producción clásica norteamericana en las ciencias sociales y humanas. Con el fin de introducir una perspectiva capaz de problematizar los Estados Unidos, reorientan su estudio a un nivel de análisis más profundo, que da más acabada cuenta de los sucesos históricos, culturales, económicos y sociales de esta potencia que durante el siglo XX ha sido hegemónica.

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De Amanecer a las películas de Jayne Mansfield, de Louise Brooks a Tim Burton, el cine norteamericano ha sabido combinar el valor referencial de sus grandes creaciones con una no siempre apreciada, pero no por ello menos persistente, querencia hacia la rareza, la intencionada banalidad con visos de transgresión o la experimentación abierta. Este ensayo recorre ambas facetas: el núcleo cordial de lo que hoy entendemos por «cine clásico norteamericano» y sus amplios y sorprendentes márgenes. Ambos determinan el contradictorio aprecio que el espectador de ayer y de hoy siente por la forma de narrativa popular de mayor influencia en el último siglo. Este ensayo recorre ambas facetas del cine norteamericano el núcleo cordial de lo que hoy entendemos por «cine clásico norteamericano» y sus amplios y sorprendentes márgenes. Ambos determinan el contradictorio aprecio que el espectador de ayer y de hoy siente por la forma de narrativa popular de mayor influencia en el último siglo.

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¿De qué tienes miedo? Del dolor, de la muerte, de la pérdida… La mayoría de nuestros terrores son innatos, espontáneos, pero también pueden ser aprendidos, sociales, colectivos. Hemos aprendido a temer muchas cosas en lo que va de siglo, empezando por los atentados del 11 de septiembre y siguiendo con la crisis financiera. Este volumen se centra en el cine de terror estadounidense estrenado entre el 11-S y el comienzo de la crisis (2001-2011), para analizar los cambios que se han producido en la ideología dominante. A través del terror, los excesos del orden y las amenazas de la otredad se vuelven transparentes, pero para verlos debemos elucidar la relación entre el cine y la ideología, entre nuestros miedos cotidianos y los de la ficción. Desde una perspectiva teórica y analítica, este libro analiza con rigor cómo el cine de terror dialoga con la ideología de nuestra época.

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Rae Annantrout (Vallejo, California, 1947), asociada a la poesía del lenguaje y Premio Pulitzer de Poesía en 2010, ha ido añadiendo, libro tras libro, razones para la extrañeza de la palabra poética desde finales de los años setenta del siglo XX. Desafiando las convenciones del poema ordenado por un «yo» lírico omnisciente de cuya existencia se permite dudar a cada paso, Annantrout conjuga ética y estética en una propuesta artística rica en matices líricos (ritmo, sonido) y temáticos (la naturaleza, la física, el inconsciente) que invita al lector a reconsiderar sus propias herramientas de interpretación, al tiempo que expone los usos fraudulentos del lenguaje por parte de los medios de comunicación de masas y su invasión de nuestra subjetividad, cada vez más indefensa e inarticulada. Todo un reto, dentro y fuera de la poesía anglo norteamericana.

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