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Cézanne vécut grâce à une tasse de thé, ou plutôt c’est dans une tasse de thé qu’il réalisa qu’il y avait quelque chose de vivant. Il sut élever la représentation d’une nature morte à un tel niveau qu’elle n’en était plus inanimée. Vassily Kandinsky disait à propos de l’artiste français : « Il peignait ces choses comme des êtres humains parce qu’il était doté de la capacité à deviner la vie intérieure de celles-ci ». En plus de Cézanne, ce livre se consacre aux natures mortes peintes par d’autres grands artistes tels que Van Gogh, Matisse, Chardin, et Picasso.

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Qu’y-a-t-il de plus banal qu’une paire de chaussures ? Pourtant, aujourd’hui encore, la moitié de l’humanité n’en connaît pas l’usage. Dans un monde où la chaussure est devenue un objet de consommation, comment oublier que nos arrière-grands-parents l’utilisaient pour les cérémonies et autres occasions exceptionnelles. L’industrie a accompli son devoir : produire en grande quantité à des prix plus abordables. Mais il fut un temps où la chaussure symbolisait la force des légions romaines, la puissance des seigneurs du Moyen Âge européen ou encore l’oppression des femmes chinoises. C’est une histoire longue et passionnante que l’auteur Marie-Josèphe Bossan, conservateur du Musée International de la Chaussure de Romans, conte avec rigueur et talent. Appuyant son analyse sur une iconographie choisie avec méthode, l’auteur donne à ces objets de tous les jours, des lettres de noblesse qui nous interpellent sur les modes et les valeurs de nos civilisations.

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Bien que la sculpture soit née avant la peinture, elle a longtemps été considérée comme un simple complément de l'architecture, le plus ancien des trois arts majeurs. Utilisant les mêmes matériaux (bois, pierre, et marbre), elle semblait n'être faite que pour servir d'ornementation à cette dernière. Elle a pu cependant imposer peu à peu sa valeur propre et son autonomie.Cette indépendance est venue avec le besoin de représenter le corps humain. L'homme admirait d'abord l'univers dans son entier. Mais il se tourna ensuite vers la contemplation de son propre corps, qu'il perçut comme le seul capable, parmi toutes les formes de la nature, de correspondre pleinement à son esprit et ses aspirations. Il s'agissait toutefois d'un corps d'une beauté supéririeure, régi par des lois de proportion et de symétrie, un corps idéal, réinventé en fait par le travail des sculpteurs ! C'est ainsi que naquirent une longue tradition et évolution de la sculpture. Cet ouvrage propose au lecteur 23 000 ans de sculpture et plus de 120 exemples parmi les plus belles sculptures du monde : de l'art préhistorique à Henry Moore, sans oublier la statuaire égyptienne, Michel-Ange ou Niki de Saint-Phalle.

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Egon Schiele (Tulln, 1890 – Vienne,1918) L’oeuvre d’Egon Schiele est tellement singulière qu’elle résiste à toute catégorisation. Admis à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne dès l’âge de seize ans, ce fut un artiste extraordinairement précoce, dont le talent consommé pour le maniement de la ligne, plus que tout autre chose, conférait une tension expressive à toute son oeuvre. Profondément convaincu de sa propre importance en tant qu’artiste, Schiele réalisa plus de choses dans sa jeunesse, brutalement abrégée, que beaucoup d’artistes dans toute leur existence. Ses racines puisaient dans le Jugendstil du mouvement de la Sécession Viennoise. Comme toute sa génération, il tomba sous l’influence écrasante de l’artiste le plus illustre et charismatique de Vienne, Gustav Klimt. A son tour, Klimt reconnut le remarquable talent de Schiele et encouragea le jeune artiste, qui au bout de deux ans, rompait déjà avec la sensualité décorative de son mentor. Amorçant une intense période de créativité vers 1910, Schiele entama un intrépide exposé de la forme humaine – sans oublier la sienne – si pénétrant, qu’il est clair que l’examen auquel il se livrait était plus psychologique, spirituel et émotionnel, que physique. Il peignit plusieurs vues urbaines, paysages, portraits formels et sujets allégoriques, mais ce sont ses oeuvres sur papier, extrêmement candides, parfois ouvertement érotiques, et son penchant pour les modèles trop jeunes, qui rendirent Schiele vulnérable à la critique morale. En 1912, il fut soupçonné et emprisonné pour une série d’atteintes aux moeurs incluant le kidnapping, le viol et la débauche publique. Les accusations les plus graves (toutes sauf celle de débauche publique) furent abandonnées, mais Schiele passa environ trois semaines désespérées en prison. En Allemagne, les cercles expressionnistes offrirent un accueil tiède au travail de Schiele. Son compatriote, Kokoschka, réussissait beaucoup mieux dans ce domaine. Tandis qu’il admirait les artistes munichois du Blaue Reiter, par exemple, ceux-ci le repoussaient. Plus tard, pendant la Première Guerre mondiale, son oeuvre se fit mieux connaître et, en 1916, Schiele fut présenté dans un numéro de magazine expressionniste de gauche, basé à Berlin, Die Aktion, et on finit par l’apprécier. Il fut considéré très tôt comme un génie. Cela lui valut le soutien d’un petit groupe de collectionneurs et d’admirateurs très patients. Néanmoins, pendant plusieurs années, ses finances furent précaires. Il avait souvent des dettes et était parfois forcé d’utiliser du matériel bon marché, de peindre sur du papier d’emballage marron ou du carton, au lieu du papier et des toiles réservés aux artistes. Ce n’est qu’en 1918, qu’il connut son premier succès public notable à Vienne. Tragiquement, quelque temps plus tard, il fut emporté avec sa femme, Edith, par l’épidémie massive de grippe de 1918, qui venait de tuer Klimt et des millions d’autres victimes, et ils moururent à quelques jours d’intervalle. Schiele n’avait que vingt-huit ans.

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Agathe royale, duchesse d'Orléans, églantine de la reine Elisabeth, ou rosier blanc royal, la rose, reine des fleurs, fascine, étonne et ennivre. Dessinées par Pierre-Joseph Redouté, ces fleurs délicates sont des modèles admirables de grâce et de fragilité, qui élèvent le dessin botanique à la hauteur d'œuvre d'art inestimable.

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Исследование посвящено взаимосвязям тюрок-мусульман Российской и Османской империй на рубеже XIX-XX вв. В первой части рассматриваются условия организации мусульманского паломничества из России в Хиджаз: маршруты, карантины и эпидемии, основные проблемы, связанные с пребыванием на территории Османской империи, их сношения с турецкими религиозными лидерами, суфийскими шейхами и государственными чиновниками. Анализируется на основе российской и османской прессы отношение мусульман России к войне на Балканах. Вторая часть монографии посвящена приезду в Россию османских интеллигентов, которые ставили перед собой цель изучить экономическое, культурно-просветительское положение мусульман Поволжья. Первая мировая война стала большим испытанием для российских мусульман: сохраняя верноподданнические чувства к Российской империи, они в меру сил оказывали поддержку османским военнопленным, находящимся в России. Опираясь на мемуары турецких офицеров, побывавших в русском плену, автор анализирует их видение России в целом и состояния татар-мусульман, в частности.

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Tout à la fois influencé par les maîtres de l’Antiquité, le génie de Michel-Ange et la sculpture baroque, Auguste Rodin est l’un des artistes les plus reconnus de l’histoire. Bien qu’il soit considéré comme l’un des fondateurs de la sculpture moderne, Rodin n’a jamais critiqué la tradition classique. Nombre de ses sculptures furent critiquées et controversées en raison de leur sensualité ou de leur réalité crue. Ses œuvres les plus originales se détachaient des traditionnels thèmes mythologiques ou allégoriques pour étreindre le corps humain, célébrer l’individualisme et la matérialité. Ce livre dévoile la vie et la carrière de cet artiste en explorant ses œuvres majeures telles que La Porte de l’Enfer, Le Penseur et le fameux Baiser.

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Востоковеды Дагестанского научного центра РАН и Дагестанского государственного университета осуществляют введение в научный оборот и издание материалов библиотек, принадлежавших частным лицам. Публикуемая коллекция связана с именем Дийа'аддина Иусуф-хаджжи ал-Курихи, одного из видных представителей духовной интеллигенции Дагестана, шейха накшбандийского тариката.

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« Je connaissais Diego Rivera, le muraliste mexicain, bien avant de découvrir les nombreux autres „ Diego Rivera “ qui hantèrent le monde du début du XXe siècle à la fin des années 1950. […] Si ses peintures de chevalet et ses dessins forment une grande part de ses œuvres de jeunesse comme de la maturité, ses peintures murales uniques font exploser les murs par la virtuosité de leur composition époustouflante. Sur ces murs s’exposent tout à la fois l’homme, sa légende et ses mythes, son talent technique, son intensité narrative et les convictions idéologiques qu’il aimait afficher. » (Gerry Souter) Dépassant son admiration, Gerry Souter, auteur du remarquable Frida Kahlo, n’hésite pas à ramener Diego Rivera à une dimension humaine, en constatant ses choix politiques, ses amours, et « qu’au fond de lui bouillonnait le Mexique, langue de ses pensées, sang de ses veines, azur du ciel au-dessus de sa tombe. »

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Pierre–Auguste Renoir (Limoges, 1841 – Cagnes-Sur-Mer, 1919) Pierre-Auguste Renoir naquit le 25 février 1841 à Limoges. En 1854, ses parents retirèrent l'enfant de l'école et le placèrent dans l'atelier des frères Lévy afin qu'il apprenne la peinture sur porcelaine. Son frère cadet, Edmond Renoir,racontait : «De ce qu'il usait des bouts de charbon sur les murs, on en conclut qu'il aurait du goût pour une profession artistique. Nos parents le placèrent donc chez un peintre en porcelaine. » Un des ouvriers de Lévy, Emile Laporte, pratiquait la peinture à l'huile pour son plaisir. Il proposa à Renoir d'utiliser ses toiles et ses couleurs. Et c'est récisément ainsi que naquit le premier tableau du futur impressionniste, qui fut montré très solennellement à Laporte dans la maison des Renoir. En 1862, Auguste Renoir réussit son examen d'entrée à l'École des Beaux-Arts. Il fréquente en même temps un atelier libre où enseigne le professeur Charles Gleyre. Le deuxième événement important de cette période de la vie de Renoir fut la rencontre, dans l'atelier Gleyre, de ceux qui devinrent ses meilleurs amis tout au long de sa vie et ses compagnons dans l'art. À un âge plus avancé, l'artiste déjà mûr eut la possibilité de voir des Rembrandt en Hollande, des Velàzquez, Goya et le Greco en Espagne, et des Raphaël en Italie. À l'époque où les amis se retrouvaient à la Closerie des Lilas, Renoir continuait de puiser son inspiration au Louvre : «Et pour moi, au moment de Gleyre, le Louvre c'était Delacroix. » La première exposition des impressionnistes devint, pour Renoir, le moment d'assertion de sa propre vision du peintre. Dans la vie de l'artiste, cette période fut marquée encore par un événement significatif : en 1873, il emménagea à Montmartre au numéro 35 de la rue Saint-Georges, où il vécut jusqu'en 1884. Il resta fidèle à Montmartre jusqu'à la fin de sa vie. Là, il trouva ses motifs de plein air, ses modèles et même sa famille. C'est justement dans les années 1870 que Renoir se fit des amis qui l'accompagnèrent jusqu'à la fin de ses jours. Le marchand Durand-Ruel devint l'un d'eux. Il commença à lui acheter des tableaux en 1872. L'été, comme toujours, Renoir peignait beaucoup, avec Monet, en plein air. Il venait à Argenteuil où Monet louait une maison pour sa famille. Avec eux travaillait parfois Edouard Manet. En 1877, à la troisième exposition des impressionnistes, Renoir présenta plus de vingt peintures. C'étaient des paysages exécutés à Paris, sur la Seine, en dehors de la ville et dans le jardin de Claude Monet ; des études de visages de femmes et des bouquets de fleurs ; les portraits de Sisley, de l'actrice Jeanne Samary, de l'écrivain Alphonse Daudet et de l'homme politique Spuller ; il y avait aussi La Balançoire et le Bal au Moulin de la Galette. Dans les années 1880, Renoir connut enfin le véritable succès. Il travaillait sur des commandes de riches financiers, de la propriétaire des Grands Magasins du Louvre, du sénateur Goujon. Ses peintures furent exposées à Londres, à Bruxelles, à la septième exposition internationale chez Georges Petit (1886). Dans sa lettre adressée à Durand-Ruel, à New York, il écrit : «L'exposition de Petit est ouverte et elle a pas mal de succès, diton. Car c'est difficile de savoir soi-même ce qui se passe. Je crois avoir fait un pas dans l'estime publique, petit pas. Mais c'est toujours ça ».