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Oscillant entre la majesté artificielle des icônes byzantines et la profondeur naturaliste initiée par Giotto, l’art des primitifs italiens incarne les premiers pas vers l’art de la Renaissance. S’essayant à d’autres supports, ces premiers artistes délaissèrent peu à peu la fresque pour les panneaux de bois amovibles. Si le hiératisme des visages peut choquer nos yeux néophytes, à l’époque, cette distanciation soulignait la divinité des personnages représentés. Cette sacralité était renforcée par les fonds illuminés à la feuille d’or. L’élégance de la ligne et le choix des couleurs les plus denses concouraient également à rendre perceptible l'invisible. Ce livre s’attache à souligner l’importance capitale que joua l’humanisation du sacré, ouvrant une porte discrète mais définitive vers l’humanisme cher à la Renaissance.

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Les Demoiselles d’Avignon : cinq jeunes femmes qui marquèrent à jamais l’art moderne. Par ces visages vus à la fois de face et de profil, par ces corps anguleux dans lesquels les voluptueuses formes féminines ont disparu au profit de lignes asymétriques, Picasso révolutionna toute l'histoire de la peinture. Le cubisme naquit ainsi en 1907. En transformant les formes naturelles en cylindres et en cubes, les peintres cubistes comme Juan Gris ou Robert Delaunay, entraînés par Braque et Picasso, imposèrent une nouvelle vision du monde, en opposition totale avec les principes des impressionnistes. Largement diffusé en Europe, le cubisme se développa rapidement en phases successives, lesquelles menèrent l’histoire de l’art à toute la richesse du XXe siècle : du Futurisme de Boccioni à l’Abstraction de Kandinsky, du Suprématisme de Malevitch au Constructivisme de Tatline. En associant le texte fondateur de Guillaume Apollinaire à l’étude du Dr Eimert, cet ouvrage offre une nouvelle interprétation de ce moment crucial pour la modernité et permet de redécouvrir, au travers de leurs biographies, les principaux représentants du mouvement.

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Pendant plus d’un millénaire, depuis sa création en 330 jusqu’à sa chute en 1453, l’Empire byzantin fut le berceau d’une effervescence artistique que l’on commence seulement à redécouvrir. Riches de l’héritage des cultures romaine, orientale ou chrétienne, les artistes byzantins élaborèrent une tradition architecturale et picturale, empreinte de symbolisme, dont l’influence dépassa largement les frontières de l’Empire. Ainsi, l’Italie, l’Afrique du Nord et le Proche-Orient conservent-ils les vestiges de cet art raffiné, mystique et lumineux. La magnificence des palais, des églises, des peintures, des émaux, des céramiques ou encore des mosaïques garantit par ailleurs, à cet art, son rayonnement et son intemporalité.

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La période baroque s’étend du début du XVIIe siècle au milieu du XVIIIe siècle. Réponse des artistes à l’exigence de grandeur solennelle prônée par l’Église catholique de l’après concile de Trente, l’art baroque, par sa monumentalité et son emphase, séduisit les grandes cours européennes. L’architecture est, sans aucun doute, parmi les arts, celui qui laissa le plus de traces dans toute l’Europe, parsemant le continent de magnifiques églises et palais baroques, à la hauteur de la puissance de ses commanditaires. Le Bernin, pour l’école du Sud, et Rubens, pour celle du Nord, représentent à eux seuls l’importance de cette période artistique. Riche d’une vision englobant les arts de la peinture, de la sculpture et de l’architecture, cet ouvrage offre un aperçu complet sur cette période passionnante de l’histoire de l’art.

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Le terme « Art nouveau » désigne un style décoratif et architectural qui se développe dans les années 1880-1890 en Occident. Né en réaction contre les dérives de l’industrialisation et le vide créatif qu’elle entraîne, l’Art nouveau est à l’origine d’une véritable renaissance des arts décoratifs. L’objectif premier est la création d’une nouvelle esthétique de la nature, par un retour à l’étude du motif naturel. Pour ce faire, des artistes tels que Gustav Klimt, Koloman Moser, Antoni Gaudí, Jan Toorop et William Morris privilégient la recherche technique et la nouveauté des formes. Cette mode n’a eu de cesse, depuis son triomphe lors de l’Exposition universelle de Paris en 1900, d’inspirer les créateurs. Son successeur, l’Art déco, se développera après la première guerre mondiale.

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« N’ayez rien dans vos maisons que vous ne considérez pas utile ou croyez être beau. » Cette citation de William Morris pourrait résumer à elle seule les Arts & Crafts, mouvement unique qui, en Angleterre, provoqua une véritable réforme des arts appliqués. Fondés par John Ruskin, puis véritablement mis en œuvre par William Morris, les Arts & Crafts véhiculèrent des idées révolutionnaires dans l’Angleterre victorienne. Au milieu de l’ère industrielle « sans âme » qui standardisait les objets, les Arts & Crafts proposèrent de remettre l’esthétique au sein de la production. L’artisanat et le design devinrent ainsi le cœur de cette idéologie nouvelle. Influençant de nombreux domaines à travers le monde, les tendances Arts & Crafts se traduisirent essentiellement dans le design, l’architecture ou la peinture.

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Lacan, the last owner of Courbet’s The Origin of the World, loved the painting so much that he couldn’t even bring himself to look at it. Instead, he hid it behind a “safer” painting. The Chinese called it the “valley of the roses” (watch out for the thorns!), the Persians, the “honey-pot” (watch out for the bees!), and the Greeks, “the mound of Venus” (mind the steep climb!); to each era its fantasies and its theories about the feminine mystique. Then there are the testimonies of poets, painters, and even of some famous psychiatrists. The Origin of the World is a work of art only suitable for lovers of intrigue.

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From the time he set up his first studio at the tender age of sixteen, Sir Anthony Van Dyck (1599-1641) was a legend in the art world. Rubens, whom he studied with as a child, said that he was his most talented pupil, and he went on to spectacularly fulfill this promise with a career as a celebrated court painter in England and Spain. Historians, scholars, and art lovers alike continue to recognize the sophistication and timeless beauty of his works. In this fascinating compendium of Van Dyck’s decades-long career, Natalia Gritsai highlights the best of the artist’s many masterpieces.

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Condemned by the Nazis as a degenerate artist, Franz Marc (1880-1916) was a German painter whose stark linearity and emotive use of color eloquently expressed the pain and trauma of war. In work such as his celebrated Fate of the Animals, Marc created a raw emotional expression of primitive violence which he called a premonition of the war which would eventually be the cause of his own untimely death at the age of 36.

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